寻找最美丽的艺术源泉
唐周方内人双陆图部分
形神兼备，造型是对物体的精确控制，即物体整体结构的展现。 它是通过艺术形式再现或表达客观事物和艺术家心理形象的能力。
唐太宗半身像
绘画无疑是画家表达思想、描绘内心形象最便捷的手段和形式。 因此，造型能力训练成为绘画中常用的方法。
部分唐代宫廷音乐图
虽然绘画水平往往取决于人的因素、画家的性格、生活积累、艺术修养和技法等因素，但起关键作用的往往是绘画造型能力，它是画家与画家之间的纽带。 ，作品与观赏者之间的纽带，用视觉的表现手段来体现物体的神态。
唐代颜立本十八士余之宁赞卷
对于一个优秀的人物画家来说，宣纸上呈现的人物形态丰富，喜、怒、忧、悲、恐等面部表情和肢体动作一览无余。
五朝南唐周文举莲亭垂钓仕女图局部
你甚至可以从图片中读出人物的内心世界。 也就是说，它不仅塑造了人的形体，而且还通过形体表达了人物的精神。
宋朝补智《老子骑牛图》局部
与花鸟画、山水画相比，人物画的创作难度尤其大。
元人寒山画被发现像零件
为此，东晋顾恺之在《画论》中直言：“诸画中，人物最难，山水次之”。
明秋影芭蕉云偏夏结
那么，在水墨画中
如何塑造真实的人物形象？
元人画部分真实形象
根据多年的绘画实践，我认为有3条路可供选择。 而且，这三种路径都为古今艺术家所探索，并取得了良好的创作成果。
元代八世迦那嘎巴哈拉扎扎图局部
传统道路是对中国传统绘画的继承和弘扬。
戴明进入太平乐士部
在中华文明的灿烂历史中，中国画一直不落俗套，涌现出许多名噪一时的人物画家。 从东晋的顾恺开始，继南朝的陆谈微、隋的詹子谦，再到唐朝的南宋颜立本、吴道子、梁良。 从楷书到晚清的任伯年，历朝历代都有人物画的杰出人物。 他们用线条勾勒天空，为人物画赋予丰富的背景。
明唐殷少药图片部分
线条的表现方法是中国画的支柱。
明代冯笑寿星图局部
早在一千多年前，南齐画家谢何在其画论《古画》中就提出了“骨用笔法”，强调线条的质量。
元代杨维祯铁笛画局部
其实，骨法就是心法，正如石涛所说：“画受墨，墨受笔，笔受腕，腕受心”。 ”。
明代陈辰红寿荷塘映花图局部
历代画家经过长期实践，总结出中国人物画中服饰纹样的十八种描绘方法。
元太宗半身像
可以说，在中国画中，线条的出现从一开始就不是对客观物体的简单模仿，而是经过画家心灵过滤、提炼和升华的产物。 它烙印着画家的情感，因而具有独特的特征。 非常具有表现力和一般性。
齐白石人物
李可染部分作品
潘天寿作品
白描大师潘天寿立足传统，主张“创作在手中”，强调人物画的重要在于捕捉形象，用灵动的线条赋予画中人物丰富的艺术内涵。 他是一位坚守传统的大师，他的作品无疑是后人效仿的典范。
徐悲鸿的作品
草绘路径。
即西方现实主义艺术。 其创始人是徐悲鸿，建立艺术实践体系的人是蒋兆和。
蒋兆和的作品
著名美学家宗白华说：“中国绘画以线条构图为主要表现形式，西洋绘画以体块结构为主要表现形式”。
进入20世纪以来，不少人物画家接受了西方文化和西方艺术的洗礼和启蒙，对传统人物画进行了革命性的变革。 他们创作的人物画不仅在思想情感内涵上，而且在笔墨语言和风格上。 他们都与古代人物画家保持着距离。 在他们的实践和影响下，构建了现代人物画审美风格。
陆晨的作品
徐悲鸿甚至明确地总结道：写生是一切造型艺术的基础。 它可以培养正确的观察与思考、分析与综合的能力，即科学的造型艺术观。
写生不仅是绘画基础训练的手段，也是区别于其他绘画类型的绘画形式。 它也是研究造型艺术规则和表现形式的必备语言。
俄罗斯著名肖像画家切沙科夫酷爱素描，是一位唯素描的理论家。 他断言：“任何三维形状都是由无数变形的透视平面组成的。”
周思聪作品
西方绘画中物体的边界不是用线条来区分的，而是用色彩的深浅和光线的明暗来表达物体的体积、质感和空间感，以及物体在一定条件下的视觉效果。光源，如看到实物。 相同的。
换句话说，西方绘画总是刻意强调色彩的丰富性和结构的差异。 它追求的是在色彩之间的冷与暖、粗与细、深与浅、淡与浓等多重关系中创造直观的视觉效果。 整体来看，这种审美追求更具光学意义，充满几何精神和理性思考。
刘文熙作品
同时，在画面处理上，西方绘画强调科学、准确地再现客观世界的三维空间，写生生活场景，这就要求物体、光源、环境、视点都是固定的。 这意味着画家在创作时必须严格遵循物理和光学透视原理来构图，精心组织画面中的各种表现对象。
这与中国画的散落风格有着本质的区别。 同时，西方绘画还将医学上的人体解剖学原理应用到人物画中，准确地表现人体骨骼肌的切换和运动状态。 因此，对于西方绘画来说，能否准确地运用透视、解剖学和光学的原理来描绘物体，是衡量作品艺术品质的重要标准。
写实主义是徐悲鸿根据当时中国画的缺点提出的艺术精神。 它在一定程度上确立了中国画写实主义的发展方向，对中国油画、素描的发展做出了重大贡献，具有划时代的意义。
杜子陵作品
如今，写生作为一种造型艺术表现形式，在水墨人物画的创作中释放出强大的正向审美能量。
中西结合之路，就是在秉承中国文化艺术精髓的基础上，融入西方绘画，创造人物画新面貌。
主张以素描为绘画基础的徐悲鸿认为，线条可以使素描更具有表现力、力量和概括性。 线条是最重要的因素。 光的明暗是刚性的。 只有通过线条与明暗的结合，才能赋予素描以力量和活力。 这就是他一贯主张的“国画为体、西画为用”的融合理念。
何家英作品
以上三种造型路径都是水墨人物画中常用的表现手法。 无论是从传统还是写生中汲取营养，还是中西结合的优势互补，表现性的描绘是水墨人物画的最终价值取向，也是绘画的本质。 这是根本点。
正如法国著名雕塑家罗丹所说：“任何一件艺术品都不能仅仅依靠线条或色调的对称性，或单纯为了视觉上的满足而给人留下深刻的印象。一件艺术品的优秀必须具有完美的艺术形式和深刻的意义。” 思想内涵，两者的有机统一，具有令人惊叹、感人的魅力。”
可见，一幅成功的水墨人物画，除了造型的准确外，还必须表现人物的神韵和风格。 这就是生动刻画的价值。
芥菜籽园
国画界绘画大师的摇篮
《芥子园画谱》成书于清代，至今流行了三百多年。 毫不夸张地说，这里是著名艺术家的摇篮，可以快速培养艺术修养。
《芥子园画册》问世三百多年来，不断拓展，不断创新。 历来为世人所推崇，是世人学习绘画的必读之书。 在它的启迪和影响下，培养和创造了无数著名的中国画大师。
近代一些著名画家，如黄宾虹、齐白石、潘天寿、傅抱石等，都是从《芥子园画册》中迈出了画家生涯的第一步。 称《芥子园画书》为启蒙良师，一点也不为过。
齐白石视《芥子园画书》为自己的启蒙老师。 据他回忆，他借了书，以松油和柴火为灯，勾勒出一幅幅图画。 画了半年，我把《芥子园画谱》除残篇外的大纲都完成了，并钉成十六卷。
齐白石
《芥子园画谱》三百多年来造福画坛，培养了一代代名家。 可以说，其功德不可限量。 何勇说此书“足以名扬，足以长存于世”，却是事实。
然而，三百多年前的教材在当今瞬息万变的世界中是否已经过时了呢？
这个问题由著名艺术家、现任中央美术学院副院长、教授、博士生导师徐冰先生来回答最合适。
受徐冰2010年完成的《芥子园山水卷》的启发，
它出自这本古老的教科书。
徐冰认为，这本书是中国画的精华和浓缩，最能代表中国文化艺术的核心。 他说：
”
《芥子园绘画手册》是一本符号词典。
它收集了各种典型范式。 人分为几组：独坐看戏、两人看云、三人相对、四人坐着喝酒：一个人是什么姿势，两个人什么姿势，什么姿势是在孩子问路的时候吗？ 规定。
因此，艺术家只需要像字典一样记住“部首”，然后将它们拼接组合起来，就能描绘出世界上的一切。
中国画讲究临摹，不讲究写生。 过去，都是靠抄袭。 到了清代，人们对这些抄袭的模型进行了总结和分类，提炼成书。
这就是为什么《芥子园画谱》是一本浓缩了中国艺术核心方法和态度的书。 ”
康熙年间，《芥子园画传》原卷难得如金，一般人很难一睹其真容。 清末，《芥园画传》旧本被毁，直到20世纪70年代，第一本藏品《芥园画传》才在海外首次被重新发现。
